Préparation de la restitution de la visite à la Bourse de Commerce. Chaque artiste a choisi une oeuvre en relation avec la thématique de la mémoire.12
Katia
Nous sommes dans la salle de l’artiste Mira Schor. Mira Schor est une artiste américaine née
en 1950, célèbre en tant que peintre, écrivaine et éducatrice. Elle est associée au mouvement
artistique féministe et travaille avec des thèmes du genre, de la politique et de la créativité artistique.
Nous sommes donc dans la salle qui est appelée « moon room ». Ce mot « room » est important pour
comprendre les intentions de l’artiste. Il porte le sens d’un lieu, d’un espace de soin, d’un espace de
point de départ pour la créativité, d’un espace pour commencer à penser et à comprendre les
souvenirs, peut-être une (des) mémoire(s). L’auteur qui a inspiré Shore était Virginia Woolf, qui était
une figure très importante du féminisme et certainement dans l’exploration des profondeurs de la
féminité. Elle a parlé pour la première fois de la signification de l’espace personnel pour une femme
et de son manque dans la vie publique des femmes de cette époque.
Ainsi, probablement inspirée par les idées de Woolf, Mira Shore reproduit une pièce similaire, où les
masques, comme les pages d’un journal intime, reflètent les facettes d’expériences, des noires dans
lesquelles il n’y a pratiquement pas d’yeux aux couleurs très délicates et brillantes.
Il est également intéressant que l’artiste inclue dans cet espace le symbole de la lune, qui peut porter
de nombreuses significations. Comme, par exemple, le temps de la renaissance, où une personne
renaît en loup-garou et devient porteuse de super pouvoirs .
De même, les masques de différentes cultures, comme les masques d’Afrique ou d’Inde, peuvent
attribuer des super pouvoirs. Les super-héros américains de bandes dessinées sont célèbres pour ce
super pouvoir. Par analogie, Super-Spider-Man ou Super-Man rentrant chez lui dans sa chambre,
dans son espace, comme la chambre lunaire, se transforme en une personne ordinaire. Mais le
masque de super-héros (ou l’image de banana man que l’on a vu de la même manière, malgré la
mascarade, évoque encore un sentiment de banalité) est toujours le même, contrairement aux
masques de Mira Schor.
à mon avis le super pouvoir réside ici dans la diversité de cette œuvre qui parle de cyclique de
l’obscurité et de la lumière. (qui parle de la valeur du spirituel et de l’intime).
Natalia
Je vous présente l’oeuvre de Mike Kelley «Ahh… Youth». Cette oeuvre a été créée pendant 17 ans: de 1991 jusqu’à 2008.
Cette série de photographies, à première vue, semble être des photos que l’on trouve dans les albums annuels des lycées américains. Mais ce ne sont pas du tout des écoliers, mais plutôt leurs anciens jouets et pas en très bon état. Mais pourquoi ces peluches sont-elles présentées icià la manière de photos d’identité? Et en plus on voit le visage de Mike Kelley grimé en adolescent apathique et boutonneux. Et une autre question se pose: l’auteur représente-t-il les jouets sous la forme de personnes ou lui-même comme faisant partie du monde des jouets abandonnés?
Les frontières entre humain et non-humain sont floues. On ressent tellement d’émotions ! tristesse, amour, regret, solitude. C’est peut-être pour cela que cette œuvre est si populaire ? Cette série d’images devenue emblématique a fait en 1992 la couverture de l’album Dirty du groupe de rock Sonic Youth.
Quand je les regarde, je me souviens de mon enfance et de mes peluches qui me rendaient heureuse. Je suis désolée, mais je ne me souviens plus où elles sont maintenant.
Mike Kelley a trouvé les jouets parmi des déchets: sale, à certains, il manque un oeil, la bouche est recousue. Ils font moins penser à des objets sympatiques attendant leur camarade de jeu humain qu’aux survivants d’une catastrophe. Peut-être que mes jouets étaient parmi eux ?
Vitalii
Artiste provocateur, briseur de tabous, anarchiste de l’art – tout cela est Mike Kelley (1954-2012).
Il a montré la vie des personnes marginalisées dans la société américaine à travers des installations, des performances et des peintures.
Mike Kelly, comme déjà mentionné, était un artiste incroyablement multi-genre – dans son travail sur 35 ans de créativité, il a utilisé une variété de genres artistiques : vidéo, installation, performance, ainsi que sculpture, photographie, dessin, bande dessinée, musique et danse.
Dans les années 1980, il commence à utiliser les peluches dans sa créativité. Dans ses installations, intitulee Half a Man, ces peluches ont des relations sexuelles entre eux. Tout cela symbolise le thème de la maltraitance des enfants. Les personnes qui maltraitent les enfants utilisent souvent des animaux en peluche pour attirer les jeunes enfants. De plus, ces jouets symbolisent la solitude d’un enfant qui n’a d’amis que des peluches. Les parents donnent souvent des peluches à leurs enfants pour ne pas leur consacrer suffisamment de temps.
L’œuvre de 1987 More Love Hours Than Can Ever Be Repaid est devenue l’une des œuvres les plus célèbres de l’artiste. Dans ce travail, Kelly a utilisé des animaux en peluche usagés comme matériau. Cette œuvre est un objet d’art dans lequel des peluches reliées entre elles forment un tapis. Devant la tapisserie se trouve une table avec des bougies fondues.
Dans toute l’œuvre de Kelly, qui peut paraître « folle et sauvage », il y a toujours une idée bien développée à la base. L’artiste a déclaré que l’œuvre doit être facile a comprendre instantanément, au niveau le plus superficiel.
Mais en réalité, le sens de ses œuvres est bien plus profond. Dans un groupe d’œuvres intitulé Half a man, qui utilise des animaux en peluche, parfois sonores, Mike Kelly symbolise les traumatismes de l’enfance et ses propres souvenirs douloureux. On voit un objet qui peut être accroché au mur. Mais en réalité, ce tapis crie à la maltraitance des enfants. Aimeriez-vous voir un tel tapis dans votre maison tous les jours ? Probablement pas. Le bon endroit pour cela est le Musée d’Art Moderne, où il se trouve.
Sacha
Essayez de vous souvenir de votre école maternelle ? De votre lycée ou college ? De votre maison d’enfance ? Nous pensons nous souvenir très bien de ces lieux, mais essayez de parcourir toutes les pièces, les couloirs, de regarder les murs et vous verrez qu’il manque de nombreux détails, images, formes dans votre mémoire.
Vous avez devant vous la maquette de Mike Kelly intitulée Educational Complex, créée en 1995 alors qu’il avait une quarantaine. Nous voyons un grand bâtiment, qui est en fait un agglomérat (une chimère ? Une représentation) de tous les bâtiments dans lesquels Mike a étudié. Il a essayé de recréer les espaces, mais le syndrome de la mémoire refoulée a laissé beaucoup de vides. Ici, à la fin du plan, nous voyons une montagne de matériaux de construction qui symbolisent des détails oubliés, perdus, des sujets qui ont été effacés de la mémoire. Des souvenirs auxquels il n’a pas accès, qu’il a rejetés à cause du traumatisme, un sujet sur lequel il a travaillé toute sa vie.
Sans aucun doute, le temps passé joue un rôle dans l’oubli. Tout au long de l’adolescence, nous sommes trop préoccupés par le présent pour penser à l’enfance. Il me semble que les questions sur le passé apparaissent vers la quarantaine, lorsque, confrontés aux limites et aux échecs de la vie, nous commençons à chercher la raison pour laquelle nous sommes tels que nous sommes.
À mon avis, il s’agit d’une œuvre très puissante et profonde qui nous montre à quel point la mémoire est fantomatique (rappelons que le thème de l’exposition est l’esprit et le fantôme). Nous sommes sûrs de nous souvenir de tout jusqu’à ce que nous essayions de le recréer, de le dessiner, de l’imaginer. Ce n’est que lorsque nous essayons de transformer nos souvenirs en un monde physique qui peut être vu et touché que nous nous rendons compte que nous avons perdu le contact avec les images parmi lesquelles nous avons vécu.
Je me demande pourquoi il en est ainsi. Entre autres choses, nous oublions probablement parce que nous ne voulons pas nous souvenir. Toutefois, peut-être que dans ces vides et ces lacunes se trouve quelque chose qui pourrait nous donner des réponses à nos questions, et je pense que Mike a laissé une montagne de matériel rien que pour cela.
Omar
Bonjour tout le monde. Je veux juste vous demander avant de commencer. Que voyez-vous lorsque vous regardez cette œuvre d’art ?
Il y a d’intéressantes techniques de construction qu’il a utilisées pour créer cette œuvre d’art.
L’utilisation d’objets trouvés dans la vie quotidienne comme des bijoux en plastique, des montres, des bracelets me rappelle certains projets scolaires que je faisais dans mon enfance.
En même temps, les résultats finaux peuvent être interprétés différemment d’une personne à l’autre.
De loin, je vois presque une vue aérienne d’une ville. Je vois des rues, des bâtiments et des jardins.
un autre aspect de cette œuvre d’art est qu’elle me rappelle d’une manière ou d’une autre les fresques orientales qui est normalement fabriqué par les femmes. en fait, il y a une très forte influence féminine dans cette œuvre d’art.
Ce type d’art à éléments mixtes se retrouve dans de nombreuses cultures.
Il provoque la mémoire collective de nombreuses espèces similaires tout en offrant un espace d’interprétation personnelle.
L’art moderne est un sujet controversé.
J’ai généralement du mal à y trouver de la valeur.
Mais je trouve que memory ware est une œuvre d’art intéressante de l’artiste Mike Kelley.
Vadim
Bonjour à tous,
Aujourd’hui je suis ravi de vous présenter deux œuvres de Mike Kelley, qui ne sont pas aussi célèbres que les autres œuvres de l’artiste, par contre cette série ne contient pas de joyaux si évidents.
Le première partie de ma présentation va être autour d’une œuvre intitulée «Une exposition de photos tire le portrait du familier», Mike Kelley repris ce titre d’un article d’un journal local de sa ville natale.
Cette série de vingt-six photographies d’aspect documentaire est réalisée à l’occasion d’un retour de Mike Kelley sur les lieux de son enfance en banlieue de Détroit.
Il travaille sur la préservation des endroits
Ici on voit les motifs de retour, de départ, par exemple dans cette photo on peut observer le regard du bateau, qui quitte la côte ou la rivière industrielle, Cela me rappelle la dernière image de film «Permanent Vacation» de Jim Jarmusch – (réalisateur américain qui est trop célèbre pour le présenter), le moment quand son personnage de jeune homme quitte New York pour trouver sa Babylon, à Paris.
Cette idée de chemin, ce mouvement infini , les vacances permanentes, il s’agit parfois de la vie d’artiste et particulièrement de Mike Kelley.
Les photos nous montrent aussi la motivation de circulation dans son chemin, le mouvement infini, de temps, de saisons etc.
En plus dans cette série il enregistre, sauve les lieux, les maisons, les arbres, les portes , les usines de banlieue de Détroit,
tout qui avait un impact profond sur sa vie.
Par exemple Il sauve cette maison qu’on peut bien voir et qui est en cours de destruction,
de la mort et de destruction complète. Il capte cette maison (et aussi les autres endroits) sur une autre matière, matière de pellicule, pour avoir un document mémoriel, un souvenir, mais la pellicule est aussi fragile comme la matière des mémoires et dans l’œuvre suivante on ne voit pas les photos, par contre on voit la pellicule même et les fragments des images abîmées.
Cette représentation de connexion entre fragmentation, destruction de cette matière abîmée, qui est devenu comme le résultat du processus de développement de pellicule.
C’est bien connecté avec une idée de mouvement cinétique des images, des mémoires et ses destructions.
Mike Kelley a dit que pendant son enfance il avait voyagé autour de Détroit mais il n’a jamais vu tout le chemin, parce qu’ il dormait pendant le voyage.
Pendant son retour il a essayé de capter le chemin entier, mais même la matérialité de pellicule a «répondu» comme on peut voir ici. On ne peut jamais avoir toutes nos souvenirs, ils sont toujours, en train de bouger
Il nous reste seulement à essayer d’enregistrer les fragments, les souvenirs pour les sauver,
Mais parfois cette matière et aussi peut être abîmée.